Foto: Cecilia Herrera

El cumpleaños de los hermanos trapecistas sirve de introducción para conocer a los personajes, desigualmente relevantes en la historia pero necesarios para el cuadro general. Es aquí donde se plantean los conflictos internos que se desarrollarán durante la función (interna, la historia, y externa, la obra).

Los personajes  del circo pueden entenderse metafóricos en relación con los actores de teatro en general. La desigualdad que existe entre contar con un gran presupuesto e ingeniárselas para realizar un buen trabajo con escasos recursos es tan patente en nuestro medio como lo es la desigualdad en nuestra sociedad. 

El abuso del “dueño del circo” es también, como es habitual en esta compañía, una crítica -en este caso más bien solapada- al arribismo y clasismo presente en nuestra sociedad. A pesar de formar parte del mismo mundo, tanto el dueño como su hija desprecian a sus semejantes, por el sólo hecho de poseer el “poder” en sus manos.

Foto: Cecilia Herrera

Es destacable el talento del director Carlo Urra para dirigir, al mismo tiempo en escena, a 11 actores realizando acciones independientes. En este caso no se trata de un musical, pero existen coreografías bien coordinadas (aunque a ratos un poco largas) que dan pie al desarrollo de las pequeñas historias que desembocan en el conflicto final.

Obra más metafórica que discursiva, posee distintas lecturas que quedan abiertas al espectador. Bastante entretenida, pese a poseer algunos tiempos muertos en el inicio. El mejor desarrollo se logra, precisamente, en la función del circo, una mezcla muy bien lograda entre comedia y drama.

Pero también comentarios de haber apreciado más el desempeño actoral que el funcionamiento de la obra, o simplemente que la duración de la obra se extendía fácil unos 20 minutos de lo que realmente podría haber durado, etc.

Foto: Carla Motto

El teatro, una pequeña y agradable sala en Salvador. Recordando un poco estos comentarios, como también la manera que escuché directamente de la idea de tratar escénicamente el texto:

“Roberto Zucco es el texto escogido como primer acercamiento a una metodología de creación y reflexión acerca de la dramaturgia escénica, frente a variadas opciones para el inicio de una creación. Este inicio de proceso nos abre el camino para obtener mayor conciencia y uso de las herramientas que poseemos para la representación teatral”

Sin duda es una puesta en escena que se logra complementar si uno conoce el texto original, para crear puentes, para discutir el sentido de las herramientas y escenas escogidas, o simplemente desde fuera pensar si lo que están diciendo se entiende realmente para aquellos que no conocen la obra.

Pero, ¿esperamos realmente que nos cuenten la historia de la obra? ¿Qué nos resuena cuando vamos a ver un ejercicio así? El ejercicio es muy atractivo porque da con el punto de trabajar un texto desde otro lugar, aunque, efectivamente, pudo haber durado algo menos para no sentirlo gastado en ciertos momentos.

Foto: Carla Motto

Pero lo que comprendemos a partir de esto, es que no vamos a ver una gran historia, con una puesta en escena predecible, donde esperamos ver actores diciendo textos de manera increíble, de ver el conflicto de la obra, de que nos cuenten desde esa teatralidad “Roberto Zucco”. Nos encontramos con que realmente el cuerpo es una herramienta que se tensa con el espacio y los sonidos propuestos, que no necesitan decir nada para tener una relación con las escenas y los personajes. No me voy con la sensación de pensar en un particular, de un actor o actriz en especial, sino que es una sensación colectiva donde todo es una pieza importante del gran todo.

Este Roberto Zucco ES y se ASUME un ejercicio, y trabaja a partir de aquella metodología de trabajo que les permite crear y sobre todo desarrollar y desarrollarse en un material que hay que transformarlo en tangible, y no en un gran espectáculo.

La historia gira en torno a Nacimiento (o “Ná”), una niña nacida precisamente en una Navidad con toque de queda. Ella “viaja” por distintas épocas y lugares que le van mostrando tanto su historia personal como la de su país. La narración es centrífuga, sin que quede claro cuales vivencias son parte del presente, cuáles del pasado, y cuáles producto de la imaginación de Nacimiento. Hacia el final, se sugiere incluso que la totalidad de la obra es un sueño de la niña, un sueño que puede coincidir con la realidad en apariencia pero no en su concreción.

La atmósfera de la puesta en escena es onírica y asfixiante. Todas las escenas son oscurísimas y con una iluminación que pareciera a ratos emular una tendencia expresionista. En la misma sintonía, los diálogos son directos y rabiosos, suavizados en contados momentos con toques de humor efectivos y orgánicos.
La música juega un papel preponderante en esta obra tal como en las anteriores (las tres comienzan con todos los actores en escena cantando), si bien “Nacimiento” es particularmente, tal como lo señala su director, “una obra en clave musical”. La música actúa haciendo explícito el discurso implícito de los diálogos, distorsionando el “sentido original” de los tópicos en cuestión. En este sentido, los arreglos musicales están conformes con el planteamiento crítico de lo establecido y de los canales institucionales de comunicación.

Y tal como en las obras anteriores, el desenlace es levemente esperanzador, en este caso representada por un diálogo que refleja la inocencia de un niño:

-“¿Tú cachai lo que es el MIR?”
-“No…”