Lo importante aquí es el espacio que se da para convocar a aquellos interesados en mostrar sus trabajos. Son varias las salas de teatro, pero son muchos más los montajes y proyectos que se van creando constantemente por parte de cualquier persona que tenga las ganas de volver tangible lo que está haciendo y poder hacerlo público.

El Festival de Teatro de la Universidad Arcis posee dos temporadas durante el año: el Festival de Otoño y el Festival de Primavera. Ambos poseen temporadas que se extienden por 2 fines de semana (de jueves a domingo) donde se presentan simultáneamente en 4 salas las obras escogidas. La diferencia de los festivales de otoño y primavera es que en el primero las ganancias son a base de las entradas vendidas para cada montaje, mientras que en el segundo se suma un reconocimiento en las categorías de Mejor Actor, Mejor Actriz, Mejor Dramaturgia, Mejor Director, Mejor Montaje y Mejor Diseño.

Aquí se considera destacar el trabajo emergente, ya que además de haber buenos actores y actrices, el trabajo de autoridad y de creación abarca todas las otras menciones. Un grupo puede presentar una obra ya escrita donde la adaptación es lo que importa, o quizás una obra que cuenta con la dirección de una figura reconocida dentro del teatro. Precisamente es en estos ámbitos, la dramaturgia y la dirección, donde se juega “lo emergente” dentro del teatro chileno. Son estas las categorías claves, sin descartar la suma de lo que es el montaje y el diseño, y por supuesto el trabajo actoral, donde se incita a las personas a trabajar desde su materialidad. Son cosas que no suelen verse tanto o que no están establecidas, y la idea es ponerlas en juego, sacarles el jugo y poder compartirlas a través de un festival.

“Al Volcán”, de la Compañía Juan Persona, tuvo presentación de Lectura Dramatizada en un local en Manuel Montt, donde se presentaban lecturas del taller de dramaturgia de Juan Radrigán, y ahora se encuentran seleccionadas en este festival. La Compañía Sin Nombre muestra “Enfermitas Sagradas de Chile”, un texto actual de Pablo Paredes que cuenta la historia de tres mujeres en Chile, en las que la enfermedad es el límite de la marginalidad. La obra “Führer, para mi hermana, perros y payasos”, de la Compañía Teatral La Niña, cuenta con la dirección de Carla Zúñiga, quien es también la autora del texto.

Los festivales son claves para expandir el material de trabajo, pero ojalá seamos nosotros mismos los creadores de este material.

PROGRAMACIÓN

Primera Semana:
15, 16, 17 y 18 de octubre

DESPATRIADOS
Dirección de Álvaro López
Compañía La Sinestesia
Sala AT3, 20:15 hrs.
 

HAMLET MACHINE
Basada en el texto de Heiner Muller
Dirección de Alejandro Castillo
Compañía de Teatro Insolente
Teatro ARCIS, 21:00 hrs.

AL VOLCÁN
De Gerardo Oettinger
Dirección de Camilo Carmona
Compañía Juan Persona
Sala AT1, 20:30 hrs.

ENFERMITAS SAGRADAS DE CHILE
De Pablo Paredes
Dirección de Juan Pablo Fuentes
Compañía Sin Nombre
Sala AT4, 20:30 hrs.

OPTICUS CUB
Creación Colectiva
Dirección de Elizabeth Rodríguez
Compañía Volante de Contención
Sala AT6, 21:00 hrs.

Segunda Semana:
22, 23, 24 y 25 de OCTUBRE

TE PARA TRES
Dirección de José Luis Inostroza
Compañía La Ratonera
Sala AT7, 20:15 hrs.

PROJECT- SALVADOR. LA HORA DE LA 11
Creación Colectiva
Dirección de Paula González
Compañía Teatro la Frontera
Teatro ARCIS, 21:00 hrs.

MADAME DE SADE, TENTATIVAS DE UNA ESPERA
Basado en el texto de Yukio Mishima
Dirección de Cristian Torres y Nicole Ojeda
Compañía Teatro Inhabitado
Sala AT1, 20:30 hrs.

FÜHRER, PARA MI HERMANA, PERROS Y PAYASOS
De Carla Zúñiga
Dirección de Carla Zúñiga
Compañía Teatral La Niña
Sala AT4, 21:00 hrs.

OLEAJE
De Mauricio Riveros
Dirección de Mauricio Riveros
Compañía de Teatro La Rockera
Sala AT6, 21:00 hrs.

ENE: FINOS DISCURSOS Y PERRA CATÁSTROFE
Creación Colectiva
Dirección de Amilcar Borges
Compañía de La Dramaturgia Corporal
Sala AT3, 20:30 hrs.

La primera temporada de “Los 80” termina con el paro de 1983, el mismo año en que tú naciste. ¿Cómo has logrado la construcción de tu personaje, tratándose de una época que no alcanzaste a vivir directamente?

Eso se logra básicamente informándose acerca del contexto histórico, y estudiando minuciosamente el guión, igual como se haría para una película o una obra de teatro. La idea es saber cuál es el contexto social de la vida del personaje, y así saber por qué actúa de tal o cual manera y lograr ponerse “en situación”.

¿Tienes algún recuerdo nítido de la década de los ‘80? ¿Algo que haya marcado tus recuerdos?

Tengo varios recuerdos. Recuerdo los “extras” de la televisión, recuerdo la sensación al escuchar que algo importante significaba que había pasado. Recuerdo ruidos de helicópteros y de aviones muy seguido, recuerdo la serie “Marco” de la Tv, recuerdo a mi mamá cantando canciones de Rafael, de Yuri, de Pimpinela, de Mocedades.

¿Qué novedades traerá la segunda temporada de “Los 80”?

No puedo adelantar mucho la verdad. Sólo les puedo decir que los capítulos están cada vez más vertiginosos, que la historia se centrará mucho más en los problemas familiares. Se verá lo del vidente de Peñablanca, entre otras cosas.

Se ha rumoreado bastante acerca del capítulo del terremoto del ’85. ¿Ya fue rodado? ¿Veremos algún efecto inédito en la televisión chilena?

Jajajaja… la gente especula mucho. Yo no se como ponen en la prensa información que solamente deducen. Lo del terremoto no alcanza a suceder en esta temporada, llegamos a mediados del 84.

Para finalizar, ¿hay algún otro proyecto en que estés participando en estos momentos en cine, televisión o teatro?

Sí. Entro ahora a una nueva serie de otro canal, pero es algo más pequeño en formato. Además estaré en dos películas para el verano, y estreno la obra de teatro “C- civil” en Matucana 100, el 11 de Noviembre, que dirige Jesus Urquieta y en la cual tengo un papel importante, y bien politico.

Foto: Cecilia Herrera

El cumpleaños de los hermanos trapecistas sirve de introducción para conocer a los personajes, desigualmente relevantes en la historia pero necesarios para el cuadro general. Es aquí donde se plantean los conflictos internos que se desarrollarán durante la función (interna, la historia, y externa, la obra).

Los personajes  del circo pueden entenderse metafóricos en relación con los actores de teatro en general. La desigualdad que existe entre contar con un gran presupuesto e ingeniárselas para realizar un buen trabajo con escasos recursos es tan patente en nuestro medio como lo es la desigualdad en nuestra sociedad. 

El abuso del “dueño del circo” es también, como es habitual en esta compañía, una crítica -en este caso más bien solapada- al arribismo y clasismo presente en nuestra sociedad. A pesar de formar parte del mismo mundo, tanto el dueño como su hija desprecian a sus semejantes, por el sólo hecho de poseer el “poder” en sus manos.

Foto: Cecilia Herrera

Es destacable el talento del director Carlo Urra para dirigir, al mismo tiempo en escena, a 11 actores realizando acciones independientes. En este caso no se trata de un musical, pero existen coreografías bien coordinadas (aunque a ratos un poco largas) que dan pie al desarrollo de las pequeñas historias que desembocan en el conflicto final.

Obra más metafórica que discursiva, posee distintas lecturas que quedan abiertas al espectador. Bastante entretenida, pese a poseer algunos tiempos muertos en el inicio. El mejor desarrollo se logra, precisamente, en la función del circo, una mezcla muy bien lograda entre comedia y drama.

¿Cómo empezaron a trabajar con este texto?

La obra fue una necesidad de cuestionarse el lugar familiar, un espacio tan privado y necesario de ponerlo en el tapete, sobre todo pensando en la comunicación y todos los elementos que componen el espacio familiar.

Foto: Pablo Vera

Primero empezamos a recopilar material, referentes. Hicimos una obra de Veronese, “Del maravilloso mundo de los animales: los corderos”. De ahí surge este texto como propuesta de lenguaje para contar la historia que nosotros queremos contar. Siempre también pensando en correr riesgos necesarios para una puesta en escena que transgreda de alguna manera lo suficiente para que no sea una simple obra de teatro. Buscar a la gente más capaz, buscar los mejores elementos.

¿Qué significó para ti trabajar con gente con más experiencia en el mundo del teatro?

Es sumamente complejo y requiere un doble trabajo, porque siempre hay que tener las propuestas demasiado claras y concretas. Hay que exigirse el doble frente a ellos porque tienen “carrete” acumulado y no se pueden tener dudas, nunca. Siempre hay que estudiar mucho antes de cada ensayo, muy preparado. Y es sumamente rico trabajar con actores como Eugenio Morales, por ejemplo, que son gente con más experiencia. Es muy retro-alimentativo y es mejor tener actores que pueden darte lo que uno quiere. También es un poco complejo de repente porque se escapan de las manos las cosas,  y uno tiene que ser maduro para salir del paso.

Foto: Pablo Vera

Tú siendo estudiante ¿cómo fue tomar este proyecto a un público más crítico?

Primero, sumamente complejo, porque al ser la primera obra, pensar en Fondart es complicado. Es complicado conseguir plata, hay que mojarse el culo por primero producir, hacer casting, hacerlo todo, no se puede dejar de lado nada. Todo tiene que estar completamente estructurado para que salga en orden y eso significa horas de ensayo y mucho, mucho trabajo. Si estás en la escuela, hacer trabajos paralelos es complejo porque siempre de un lado vas a empezar a  guatear. Por ejemplo, si uno tiene otras cosas, como grabaciones, es una locura. Levantarse todos los días a las 6 de la mañana a grabar, después de clases a grabar, a ensayo y todos los días es para volverse loco. Llegamos de manera afortunada, la gente nos apoyado harto y ha sido muy constructivo, se ha producido mucho.

Ficha Técnica

Puesta en escena: Cristóbal García Mauriz, José Luis Cáceres Dupré.
Elenco: Eugenio Morales, Mónica Illanes, Rocío González, Pablo Suárez-Cruz, Luis Eduardo Campos.
Diseño de Iluminación: Karl Heinz Sateler
Escenografía: Felix (el gato) Fernández
Música: Gonzalo Cáceres, Francisco Maureira
Realización Audiovisual: B. Pestan Floras
Diseño Gráfico: Javiera Marticorena

Del 3 al 25 de Octubre
Centro Cultural Estación Mapocho – Sala Tennyson Ferrada

Jueves, viernes y sábados 20:00 hrs – domingos 19:00 hrs.

Pero también comentarios de haber apreciado más el desempeño actoral que el funcionamiento de la obra, o simplemente que la duración de la obra se extendía fácil unos 20 minutos de lo que realmente podría haber durado, etc.

Foto: Carla Motto

El teatro, una pequeña y agradable sala en Salvador. Recordando un poco estos comentarios, como también la manera que escuché directamente de la idea de tratar escénicamente el texto:

“Roberto Zucco es el texto escogido como primer acercamiento a una metodología de creación y reflexión acerca de la dramaturgia escénica, frente a variadas opciones para el inicio de una creación. Este inicio de proceso nos abre el camino para obtener mayor conciencia y uso de las herramientas que poseemos para la representación teatral”

Sin duda es una puesta en escena que se logra complementar si uno conoce el texto original, para crear puentes, para discutir el sentido de las herramientas y escenas escogidas, o simplemente desde fuera pensar si lo que están diciendo se entiende realmente para aquellos que no conocen la obra.

Pero, ¿esperamos realmente que nos cuenten la historia de la obra? ¿Qué nos resuena cuando vamos a ver un ejercicio así? El ejercicio es muy atractivo porque da con el punto de trabajar un texto desde otro lugar, aunque, efectivamente, pudo haber durado algo menos para no sentirlo gastado en ciertos momentos.

Foto: Carla Motto

Pero lo que comprendemos a partir de esto, es que no vamos a ver una gran historia, con una puesta en escena predecible, donde esperamos ver actores diciendo textos de manera increíble, de ver el conflicto de la obra, de que nos cuenten desde esa teatralidad “Roberto Zucco”. Nos encontramos con que realmente el cuerpo es una herramienta que se tensa con el espacio y los sonidos propuestos, que no necesitan decir nada para tener una relación con las escenas y los personajes. No me voy con la sensación de pensar en un particular, de un actor o actriz en especial, sino que es una sensación colectiva donde todo es una pieza importante del gran todo.

Este Roberto Zucco ES y se ASUME un ejercicio, y trabaja a partir de aquella metodología de trabajo que les permite crear y sobre todo desarrollar y desarrollarse en un material que hay que transformarlo en tangible, y no en un gran espectáculo.

La historia gira en torno a Nacimiento (o “Ná”), una niña nacida precisamente en una Navidad con toque de queda. Ella “viaja” por distintas épocas y lugares que le van mostrando tanto su historia personal como la de su país. La narración es centrífuga, sin que quede claro cuales vivencias son parte del presente, cuáles del pasado, y cuáles producto de la imaginación de Nacimiento. Hacia el final, se sugiere incluso que la totalidad de la obra es un sueño de la niña, un sueño que puede coincidir con la realidad en apariencia pero no en su concreción.

La atmósfera de la puesta en escena es onírica y asfixiante. Todas las escenas son oscurísimas y con una iluminación que pareciera a ratos emular una tendencia expresionista. En la misma sintonía, los diálogos son directos y rabiosos, suavizados en contados momentos con toques de humor efectivos y orgánicos.
La música juega un papel preponderante en esta obra tal como en las anteriores (las tres comienzan con todos los actores en escena cantando), si bien “Nacimiento” es particularmente, tal como lo señala su director, “una obra en clave musical”. La música actúa haciendo explícito el discurso implícito de los diálogos, distorsionando el “sentido original” de los tópicos en cuestión. En este sentido, los arreglos musicales están conformes con el planteamiento crítico de lo establecido y de los canales institucionales de comunicación.

Y tal como en las obras anteriores, el desenlace es levemente esperanzador, en este caso representada por un diálogo que refleja la inocencia de un niño:

-“¿Tú cachai lo que es el MIR?”
-“No…”